Singapur día 3

El martes, 7 de marzo por la mañana, después del desayuno, salimos del hotel. Pero antes de abordar el crucero, dejamos el equipaje con el Conserje del hotel, y cruzamos el puente para visitar la National Gallery Singapore, que es el único museo principal en Singapur que aún no había visitado, ya que fue Inaugurado en 2015.

Tiene una interesante colección de arte asiático, con artistas de finales del siglo XIX como Raden Saleh, hasta el siglo XX como Liu Kang, Nguyen Gia Tri, y contemporáneos como Tang Da Wu o Montien Boonma (cuyo “El Placer del Ser, Morir y Comer” estaba siendo restaurado, y quedaba mejor tras el cristal temporal que cuando se creó originalmente en 1993, y fue reconstruido en 2015).

Después de una tarde llena de arte, abordamos nuestro crucero, Crystal Symphony: Check-in, deshacer las maletas, tomar un rápido y delicioso almuerzo, y de nuevo salir para pasar la noche por la ciudad. Esta vez decidimos tomar el icónico cocktail Sling (el mío virgen, gracias) en el Hotel Raffles, probablemente el único lugar de Singapur donde puedes tirar las cáscaras de cacahuete al suelo. La tradición es la tradición.

Para terminar otro día maravilloso, cenamos en el lugarrestaurante especializado en dim sum con estrella Michelín TimHoWan .

Esta Revolución necesita una Revolución

Ayer fui con mi mujer y mi hijo a la exposiciónYou Say You Want a Revolution? Records and Rebels 1966-1970 del museo Victoria & Albert. El objetivo de la exposición estaba claro:

¿Cómo han cambiado las revoluciones terminadas e inacabadas de finales de la década de 1960 la forma en que vivimos hoy y pensamos en el futuro?

Tenía muchas ganas de visitar la exposición. Es tan oportuna, y tan necesaria, pensé.

Después de visitarla, salí enfurecido. ¿Por qué? Después de todo, está muy bien “construida”, llena de artefactos e información, con un sofisticado sistema de audio, y estéticamente arreglada y orquestada.

ORGANIZED

Más importante toavía, no parecía un intento nostálgico de regurgitar viejos lemas revolucionarios.

Lo que me enfureció fue lo ‘aplacada’ que parecía toda la colección. Cómo todos esos esfuerzos y sacrificios, cómo toda esa energía y sufrimiento de los revolucionarios del pasado, ha sido asimilado por el sistema.

Desde las consignas ® Registradas a los letreros “prohibido fotografiar” en la entrada (a los que yo, POR SUPUESTO, no hice ni caso):

® slogan!

A los textos denunciando poderosas corporaciones y estados que controlan los medios de comunicación occidentales, dificultando la difusión de opiniones alternativas. ¡¡¿¿No me digas??!! ¿Qué tal si añadimos “incluso museos”?

You don't say??!!

Por supuesto, todo rezumaba de un sabor aguado y diluído, “listo para que las masas lo consuman” (a más de £ 17 o € 20 por entrada). No sólo debido a la gran tienda dedicada a la exposición (“Salga a través de la tienda” como Banksy brillantemente destacó), donde muchos objetos atractivos estaban a la venta para nostálgicos y revolucionarios de boquilla.

Interesting mash up poster

Sino también por el tono paternalista de toda la exposición, aislando quirúrgicamente las cuestiones (identidad, sexualidad, paz, música, moda…), incluso (correctamente) incluyendo el nuevo sustituto teológico totémico contemporáneo: la tecnología.

Origins of Personal Computers

Me alegró y enhorgulleció contarle a mi hijo que su abuela estuvo en París lanzando adoquines a la policía en las revueltas estudiantiles de 1969; que su abuelo me llevó, cuando era niño, a ver una obra de teatro prohibida durante la transición democrática española, temiendo la represión de la policía secreta (los grises); que participé de pequeño en debates con adultos sobre anarquismo y comunismo, cuando ambos estaban proscritos en España; y que he participado en algunas de las revoluciones y protestas que se produjeron en las décadas posteriores.

No estoy enojado porque hayan tomado “mis” revoluciones y las hayan reenvasado para facilitar su digestión acomodando a las masas. Eso era previsible, y un resultado obvio del imperio reinante del capitalismo consumista.

Ni siquiera nostalgicamente me niego a aceptar que los tiempos hayan cambiado.

Lo que realmente me molestó y me enojó fue la falta de referencia a un presente combativo, a la continuación de la lucha.

El hecho de que mostraran, al final de la exposición “Cómo han cambiado las formas de vida de hoy las revoluciones terminadas e inacabadas de finales de los años 1960”, pero completamente excluyeran “y pensemos en el futuro” es lo que me enfureció. Particularmente siendo Trump presidente en los EE. UU., May PM en GB, el PP en el poder en España, la extrema derecha avanzando en Francia …

Tenemos que recordar que la lucha no ha terminado, que el fascismo no sólo está regresando (que es lo que siempre ha hecho), sino que es más fuerte y poderoso que nunca. Nosotros, todos nosotros, y las instituciones que nos sirven, incluidos los museos, tenemos el deber de promover un debate reflexivo en torno a la ética y los valores, y protestar y luchar ferozmente por la autoorganización, la unidad y la colaboración. Nos lo debemos a nosotros mismos, se lo debemos a los que lucharon por nosotros en el pasado, se lo debemos a los que vendrán después de nosotros.

Si la burguesía urbana quiere ser la primera en caer de nuevo bajo la bota de los opresores, que así sea. Si los proto y pseudo-intelectuales se auto-engañan pensando que nuestras democracias e instituciones nos salvarán de demagogos autoritarios, megalómanos fascistas y nuestra propia búsqueda ciega del consumismo sin fin, que así sea. Mientras tanto, estaré enseñando a mis hijos sobre la lucha y participando de la manera más inteligente y efectiva que pueda.

Mi instalación de arte no comisionada en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile

La exposición titulada “Le Corbusier y Suramérica”, en el salón principal del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago (Chile), muestra por primera vez en Chile una colección de planos y dibujos originales de Le Corbusier para 12 proyectos que creó en América del Sur (aunque, de todos ellos, sólo se construyó la casa de Curutchet en Argentina).

Como parte de la exposición, el curador chileno Maximiano Atria ha organizado en torno a la parte central de la sala instalaciones específicas de varios artistas. Y estoy orgulloso de ser uno de ellos.

Mi pieza, “Restricted Realities”, es una instalación de 25x45x65cm, creada con piezas de madera geométrica policromada cortada a mano.

Obviamente empezó como un homenaje a Le Corbusier, pero quería ir más allá de su legado obvio de forma y estructura, de acercamiento e historia, para explorar al hombre detrás de la leyenda.

Le Corbusier no recibió una educación formal de arquitectura reglada, sin embargo, después de asistir a una escuela de arte y tras varios años trabajando en estudios de arquitectos, terminó no sólo con su propio estudio, sino también con enseñando e inspirando a arquitectos de todo el mundo. Como padre de la arquitectura del siglo XX, estaba mucho más interesado en el concepto de un edificio, de un espacio, que de los aspectos formales del mismo.

En “Realidades Restringidas” he construido el modelo para un diseño espacial que albergase y reflejase la mente. Es una casa para la mente. Pero no sólo una mente, ya que esa casa puede ser habitada por varias o incluso todas las mentes. Lo que naturalmente se deriva de ella es una estructura que tiene ángulos imposibles y espacios abiertos, áreas restringidas y áreas abiertas. Incluso los colores parecen entrar en conflicto para conseguir funcionar juntos.

Es una estructura sólida y estable que permea la tensión desde todos los ángulos. Justo como sucede cuando intentamos acomodar más de una mente en una sola experiencia compartida. De hecho, a menudo sucede dentro de una sola mente.

Así que son “realidades”, pero son “restringidas”. Y es en esa “restricción” que se construyen como realidades. Las paredes son normas, acuerdos, arreglos, expectativas y cualquier otro resultado de la interacción. Los colores en las paredes son la cultura, la expresión, el lenguaje, el arte mismo y cualquier otra comunicación de las interacciones antes mencionadas.

Con esos dos elementos simples, las interacciones entre individuos y grupos, y su comunicación, construimos nuestras realidades, realidades que tratamos de habitar, conformar y compartir. Pero esa construcción es subjetiva, y esa subjetividad es lo que da lugar a tensiones, idealizadas aquí como ángulos.

Como último y sutil detalle, agregué una plataforma de base a sólo una parte de toda la estructura. Porque necesitamos un mundo inclusivo, una visión inclusiva. No todos los individuos, no todas las realidades, son iguales, tienen el mismo fundamento y base, disfrutan o sufren las mismas limitaciones y circunstancias. Y ese es el primer nivel a tener en cuenta, que se construirá.

Construye, construye tu realidad.

Museos de Santiago

El martes 13 tuve la rara oportunidad de pasar unas horas haciendo lo que más me gusta durante un viaje de negocios: visitar museos de arte. Fui al Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo de Artes Visuales y la Galería de Arte de la Fundación Telefónica.

Sin duda, los dos museos que más disfruté fueron el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Contemporáneo.

La instalación en el vestíbulo del Museo Nacional de Bellas Artes es increíble, y el edificio en sí (con una cúpula diseñada por Eiffel) es bastante impresionante. Pero el Museo de Arte Contemporáneo es realmente bueno. La exposición del ingeniero israelí Shay Frisch en el sótano “Campo 47283_B / N” (que forma parte de la colección permanente de la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma) me fascinó. “Cruces Sonoros. Mundos Posibles “también está muy bien.

Visitando el Museo de Diseño de Londres

Ayer visité con mi hijo el Museo del Diseño (“El principal museo del mundo dedicado al diseño contemporáneo en todas las formas, desde la arquitectura y la moda hasta el diseño gráfico, producto y diseño industrial”) en su espectacular nueva ubicación en High Street Kensington (Londres).

El #newdesignmuseum abrió sus puertas en su nueva ubicación hace sólo 5 días. El edificio y la renovación son geniales, y en una buena ubicación: al borde de Holland Park, con la ventaja de estar cerca del jardín de Kioto, Muji, y no lejos de la Serpentine Gallery.

Esperaba más de la(s) tienda(s) y sentí que a las exposiciones le faltaba un curating más atrevido, y una comunicación más atractiva. Aunque el tema de “Diseñador, Creador, Usuario” no estaba mal, pero podrían haber ahondado definitivamente más en el concepto.

Además, considero que la colección no era lo suficientemente amplia, con una abrumadora mayoría de dispositivos electrónicos de consumo, y no lo suficiente de otras disciplinas como moda, arquitectura o incluso fabricación industrial.

En general, una agradable noche en un bonito museo, pero con mucho espacio para mejorar.

Museos de Düsseldorf

La semana pasada pasé 3 días en Düsseldorf, asistiendo a la feria de Medica. Pero no quiero aburrir a nadie con eso. Prefiero contar lo que hice después de que la feria cerrara cada día.

Como Düsseldorf es una ciudad que conozco bien, decidí concentrarme en sus museos y galerías de arte. ¡No podía haber elegido un momento más perfecto!

En la Kunsthalle asistí a la excelente exposición titulada “Lana y agua”, con: Lili Dujourie, Isa Genzken, Astrid Klein, Mischa Kuball, Aron Mehzion, Reinhard Mucha, Sturtevant, Rosemarie Trockel y Gerhard Richte; Comisariada por Gregor Jansen. Una exposición que definitivamente “no te puedes perder”. Seductora y emocionante. No recuerdo la última vez que me emocionaba tanto por una exposición. Me dieron ganas de aplaudir, de llamar al curador y los artistas y mostrar mi respeto y admiración.

También visité el K20 y el K21 en el Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (KNW).

El K20 Grabbeplatz exhibía “Nube y cristal: La colección de Dorothee y de Konrad Fischer”. Una colección increíble que incluye obras de: Carl Andre, Richard Artschwager, Lothar Baumgarten, Bernd y Hilla Becher, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Stanley Brouwn, Daniel Buren, Alan Charlton, Hanne Darboven, Jan Dibbets, Dan Flavin, Gilbert & Douglas Huebler, Stephen Kaltenbach, En Kawara, Harald Klingelhöller, Jannis Kounellis, Jim Lambie, Sol LeWitt, Richard Long, Konrad Lueg, Robert Mangold, Piero Manzoni, John McCracken, Mario Merz, Juan Muñoz, Bruce Nauman, Giuseppe Penone, Manfred Pernice , Ulrich Rückriem, Robert Ryman, Gregor Schneider, Thomas Schütte, Niele Toroni, Paloma Varga Weisz y Lawrence Weiner.

Pero el choque completo fue en el K21 Ständehaus, un lugar muy especial para jóvenes artistas internacionales y para las obras contemporáneas de la colección permanente del KNW.

El nivel subterráneo mostraba “My Phantasies”, con las obras de: Gerhard Altenbourg, Katharina Fritsch, Julian Göthe, Sabine Groß, Nan Hoover, Axel Hütte, Jürgen Klauke, Alicia Kwade, Kris Martin, Pauline M’Barek, Gerhard Merz, Dieter Roth, Wilhelm Sasnal, Wael Shawky, Nancy Spero, Thomas Struth, Rosemarie Trockel y Gillian Wearing. Solo OK. Algunas piezas interesantes, aunque diría que no vale la pena ir a propósito. Pero las salas de artista en los tres niveles superiores son simplemente absolutamente impresionante.

Recorriendo tres niveles, 22 salas ofrecen intensos encuentros con la pintura, la escultura, la fotografía, el cine y, en particular, con el arte espacial. Se invita a artistas contemporáneos seleccionados a exponer obras por un período de un año, entablando así un diálogo con otras obras de la colección. Lo que tuve el privilegio de disfrutar fue:

1er piso

  • Imi Knoebel
  • Christian Jankowski
  • Bill Viola
  • James Turrell

2 ° piso

  • Ibrahim Mahama
  • Antonia Low [hasta finales de octubre de 2016]
  • Alexandra Bircken [desde finales de noviembre de 2016]
  • Hans-Peter Feldmann
  • Diango Hernández
  • Bertold Stallmach / Nina Fischer y Maroan el Sani

3er piso

  • Tomás Saraceno
  • Franz West [en construcción]
  • Janet Cardiff / George Bures Miller
  • Chiharu Shiota
  • Anna Oppermann [cerrada temporalmente]
  • Christian Boltanski

Por favor, si puedes ir a Düsseldorf, o si ya estás allí, asegúrate de visitar “Lana y agua” en el Kunsthalle y las salas de artista en K21 Ständehaus. Absolutamente impresionante.

 

He adquirido una obra de David Shrigley en el Museo Ludwig

El 9 de noviembre adquirí en el Museo Ludwig la obra “I collect records”, un frisbee profesional de vinilo de 27 cm ø y 175gr. que el artista nominado al premio Turner Prize y DJ ocasional David Shrigley creó en 2012.

“I collect records” está basada en un dibujo que hizo para una portada de disco que fue expuesta en su exposición Life and Life Drawing.

Explicación de mi obra “God bless #Amurika”, expuesta en el Ludwig Museum (Colonia)

A menudo he criticado a los artistas que se esconden trás “mi trabajo habla por sí mismo” o “depende del espectador interpretar mi trabajo”. Buen intento, pero eso es una chorrada.

¡Por supuesto cualquier persona puede interpretar cualquier cosa cuando se enfrenta a una obra de arte! Pero el artista debe por lo menos intentar explicar el significado trás la pieza. No importa lo explícita (u oscura) que pueda ser. No es “restringir al espectador”, es guiar; sugerir no es imponer.

Yo me sirve “ese no es mi trabajo” ni “no soy bueno con las palabras”. Porque si no puedes expresar elocuentemente e inteligentemente tus pensamientos y acciones, puedo disfrutar de tu trabajo bajo ese marco (Art Brut, Outsider, o lo que sea), pero quiero saberlo. Y no, no quiero que tu galerista, curador o crítico hable por ti. No dejes que el sistema secuestre tu voz, tu genio, tu creatividad, con la promesa de hacerla brillar y propulsarla a alturas a las que no puedes llegar por ti mismo: todo lo que haces tú mismo es genuino, y por lo tanto tiene el valor máximo … A menos que estés hablando de dinero, por supuesto. Pero esa es una historia totalmente diferente. Aquí estamos hablando de arte, la expresión, no el mercado o el dinero.

Así que de vuelta a mi propio trabajo.

Al igual que David Shrigley, un artista cuyo trabajo realmente me gusta, a menudo me encuentro utilizando palabras escritas a mano en mis obras.

Creé  “God bless #Amurika” (“Dios bendiga a #Amurika”) por invitación del Laboratorio de Arte del Museo de Arte Contemporáneo de Ludwig en Colonia (Alemania), el 9 de noviembre de 2016. Por supuesto me desperté con la noticia de que Donald Trump fue elegido Presidente de los Estados Unidos. No podía pensar en otra cosa, tenía que dejar que los pensamientos, sentimientos, temores y ansiedades que la noticia provocó en mí, saliesen. Necesitaba fijarlos, exorcizarlos de mí y compartirlos con un mundo que en su mayor parte no parece estar escuchando, y no parece importarle.

Primero tomé la silueta de una paloma volando, símbolo de paz y libertad, y añadí un recorte de cartón en forma de gafas pintadas con lápiz.

Obsérvese que las gafas no tienen lentes (en forma de color diferente, reflejo, o cualquier otro indicio que sugiera su presencia), por lo que son una intención, un símbolo, más que un mecanismo real que puede ser manipulado o convertirse en un marco restrictivo de pensamiento.

Pero las gafas mismas son la clave: comúnmente están asociadas en la mayoría de las culturas con la ciencia, la educación, el conocimiento y la cultura.

Eso es lo que la “paloma” necesita desesperadamente, con el fin de volar alto y por encima, para volar hacia las nubes. Para permanecer libre.

Dentro de la silueta de la paloma escribí:

  • Dios bendiga a #Amurika: “Dios”, en su sentido más amplio, no tanto como espiritualidad, sino como deidad indefinida. Aquello a lo que la mente irracional apela (“bendiga”) para intentar participar en un devenir sobre el que siente que no tiene control, pero que le gustaría. Nótese el uso del “símbolo de hashtag” para denotar la comunicación contemporánea afectada por las redes sociales, particularmente la restricción de 140 caracteres impuesta por Twitter y el “etiquetado ontológico temático” representando por el hashtag, que a la vez focaliza y restringe nuestras conversaciones. “Amurika” es otra referencia a la distancia con comunicaciones tradicionales, donde la forma apropiada es reemplazada por errores intencionales (o no) de ortografía y fonética.
  • #WhiteLash: la principal razón real del triunfo en los colegios electorales (no el voto popular) de Trump. La oposición extrema e irracional del Partido Republicano a la presidencia de Barack Obama, amplificada por los medios ultraconservadores, recibida por millones de latente (e incluso abiertamente) racistas estadounidenses, ha generado el ambiente perfecto para una reacción “WhiteLash”
  • #Trumpf: en referencia al show Last Week Tonight de John Oliver en el que comentaba el nombre de familia de Trump y cómo cambió al entrar en los EE. UU. de Drumpf a Trump, así que #Trumpf se convirtió en una llamada a investigar en más profundidas el pasado de Trump (y de su familia). Más información aquí
  • La misoginia vota / el miedo vota / el racismo vota / la ignorancia vota / la miopía vota / el egoísmo vota: todos esos estados negativos de la mente, rasgos de la personalidad, maneras de pensar, formas de vida … como sea que lo quieras caracterizar, no es nada más que, en definitiva, la gente. La gente teme. La gente es débil y vulnerable. La gente tiene miedo. La gente es irracional y agresiva. Y la gente vota.
  • Pero no ataquen el voto, inviertan en educación: y como dice la última línea, no es necesariamente la votación lo que representa el problema. La votación es sólo una expresión y un recuento de una elección (aunque limitada en el caso de una elección de dos partidos). La representación ES el verdadero problema: cuando la votación va a un intermediario. Cuando su elección, su individualidad, es agregada, reducida, limitada y secuestrada por aquellos que, consagrados en el “rol representativo para el que han sido elegidos”, acumulan poder para abusar de los que se supone que representan, lo que produce de nuevo el miedo, la ira y … el ciclo se repite. ¿Cómo romper ese círculo vicioso? Educación. Educar a las personas, y una vez educadas, pueden informar, debatir y elegir libremente, y directamente, sin la necesidad de ningún intermediario. Democracia directa. La verdadera democracia.

¿A dónde,está tratando de volar esa paloma, la encarnación de nuestras aspiraciones, una figura cuasi-espiritual?

En la Nube 1 escribí:

  • Filosofía: el mayor logro de la auto-conciencia humana. Tan ausente en el debate político o científico. Tan necesaria como luz guía y principio de nuestros contratos sociales y aspiraciones personales
  • “Creencias”: entre corchetes porque es una espada de doble filo como concepto. Por un lado, las creencias son lo que nos mantiene unidos a través de las brechas en el conocimiento. Es lo que completa nuestras estructuras racionales para hacer un todo pulido de cada uno de nosotros. No es nada menos que nuestras identidades. Pero al mismo tiempo, cualquier movimiento gregario de abuso organizado (lo llamen religión o política) a menudo se ha referido a “creencias” como la razón y la fuerza motriz detrás de sus acciones
  • Persecución: porque ninguna nube es un destino, y no hay otro destino que perseguir. O como el koan Zen dice: el viaje es la recompensa
  • Mejorar: es lo que debe suceder en ese viaje, mejora constante, aspirando a ir más alto. No para superar a nadie, sino para ganar perspectiva y comprensión
  • Aspiración: lo que impulsará esa mejora. No es “ambición”
  • Orgullo: no es el tipo que nos da un erróneo y podrido sentimiento de superioridad en una sociedad artificialmente estratificada, sino el tipo que sentimos dentro, cuando superamos retos, cuando mejoramos en comparación con nuestro yo anterior. Como “nosotros” siempre estamos cambiando, porque somos lo que queremos y queremos ser
  • Inspirar: porque, al final, somos un grupo (sociedad, especie, familia, barrio … sea como sea que lo mires). Y nuestro bienestar sólo puede provenir del bienestar de todos los miembros del grupo. Deberíamos y debemos cuidarnos el uno al otro, ayudando a impulsarnos unos a otros cada vez más alto

En la Nube 2:

  • Felicidad: tan personal, tan claramente reconocible, tan importante, que debe conducir todas nuestras acciones. Pero no sólo nuestra felicidad individual, sino que aseguramos la felicidad de todos
  • Hechos / “Verdad” / Datos / “Realidad”: podríamos enredarnos con Epistemología, pero al fin de al cabo, si no compartimos una ilusión común, no podemos trabajar juntos
  • Debate / Ciencia: para mí ambos son lo mismo. La ciencia necesita debate, y no hay debate sin ciencia. Pero esa es la única forma de coordinar y avanzar
  • Igualdad / Compartir: ¿No te lo dijeron cuando eras niño? “comparte”. ¿Cuándo dejamos de pensar que era una buena idea? ¿Cuándo “el otro” se convirtió en alguien por quien preocuparse o incluso a quien temer? ¿Cuándo nos daremos cuenta de que no hay “otro”, que todos somos “nosotros”?

En la parte inferior, dentro de un “bocadillo”, escribí:
Gracias Obama, pero no fue suficiente
# MichelleForPresident2020
Porque si vamos a permanecer en una democracia representativa, Michelle Obama podría ser una gran presidente.

He añadido mi firma, y para la fecha escribí:

El día en que Estados Unidos despertó a la realidad: 9 de noviembre de 2016

Obsérvese cómo en la imagen escribí todo eso en MAYÚSCULAS para reflejar la práctica común en internet de usar todas mayúsculas transmitir un grito. Un grito porque esta elección ha sido más sobre gritar que sobre el razonar. Y porque quiero gritar, gritar de otra manera: llegar al mundo, difundir el mensaje. Finalmente un grito como instinto primitivo. Un grito porque me duele, porque estoy enojado, porque tengo que gritar.

Eso es, en pocas palabras, lo que significa, lo que quería decir.
Buena suerte y buenas noches.

Entrevista para la exposición de arte que he organizado y que actualmente se muestra en Kaunas, Lituania

Jorge Cortell, curador de arte, entrevistado por Airida Rekštytė el 4 de noviembre de 2016

Quiero hacerle las siguientes preguntas sobre la idea de la exposición; creo que de acuerdo con su profunda formación teórica (sic), no le será difícil de exponer brevemente sus intenciones al organizar este evento. Tenemos un círculo mimado y exigente de visitantes y espectadores, así que necesitamos darles un poco más sobre la concepción principal:

¿Cuándo se le ocurrió la idea de hacer esta exposición y qué la inspiró?
He pasado años como activista defendiendo el software libre y la privacidad en línea, y oponiéndome a la censura.
Durante una cena con el director de un evento que se centra en esos temas (el Internet Freedom Festival, también conocido como Circumvention Festival https://internetfreedomfestival.org/), le comenté que sería un buen reto tratar de transmitir los principales mensajes de los temas del Festival en una exposición de arte. Y él dijo, ¡hagámoslo!

¿Cuál es tu relación personal con Internet y sus posibilidades, has encontrado limites a tu libertad? ¿Crees que esto es un problema en los países democráticos?
He sido un usuario temprano de tecnologías desde que puedo recordar, y la mayor parte de mis empresas son o han sido basadas en tecnología.
La libertad de Internet está bajo constante amenaza, no sólo en las sociedades antidemocráticas, sino también por gobiernos democráticos y sus organizaciones de “inteligencia” en todo el mundo. El ejemplo principal es todo lo que hemos aprendido acerca de que el gobierno de los Estados Unidos y la NSA espían no sólo a sus ciudadanos, sino también a otros países (sus aliados) gracias a Edward Snowden.

En el espacio de Internet usted declara que está en oposición al concepto de Propiedad Intelectual. ¿Cómo describirías tu actitud? ¿En qué sentido sus opiniones afectan a esta exposición?
Yo solía dar clases y conferencias sobre “Propiedad Intelectual” (como Profesor Extrauniversitario en España y como Profesor Visitante en 60 universidades), y mis conferencias duraban horas, así que trataré de condensar todo eso en algunos párrafos 😉
La “propiedad” intelectual está equivocada tanto a nivel conceptual como práctico.
Desde un nivel conceptual, es un oxímoron, pues “intelectual” no puede ser “propiedad”, ya que toda actividad intelectual emana y se alimenta de actividades intelectuales previas. Es cultura y comunicación. No puede ser “cercado”, y “empaquetado”. Es tan absurdo como decir “mi hijo” o “mi vecino” es “mío” (como posesión). Al igual que las sociedades contemporáneas rechazan la noción de esclavitud, debemos rechazar la noción de “propiedad intelectual”.
Del mismo modo, desde un nivel práctico no podemos ni debemos confiar en un “monopolio temporal” como forma de incentivar la creación de obras artísticas y / o intelectuales. Tanto el “temporal” (término que se está incrementando constantemente y ahora está por encima de cualquier cosa remotamente razonable) como el “monopolio” (que ha demostrado ser contraproducente para la sociedad y la economía) están profundamente equivocados y son defectuosos.
¿Significa eso que los “creadores de contenidos” y los “artistas” y los “autores” no deberían recibir una compensación monetaria por sus esfuerzos? No necesariamente. Lo que significa es que los métodos actuales para tratar de lograrlo sólo crean escasez artificial y la restricción de la libertad y la cultura.

Creo que, detrás de cada obra hay una historia y una razón por la que está en esta exposición. Sería interesante conocer sus motivaciones, pero tal vez le llevaría demasiado tiempo responder. Me gustaría preguntarle sobre Patricija Gilyte puesto que ella tiene muchos seguidores aquí y esta pregunta ocurrirá. ¿Cuál fue su motivación para elegirla? ¿Cómo la relacionaría con su tema?
La primera vez que vi su trabajo fue en una feria de arte en Londres, y automáticamente supe que tenía que ser parte de esta exposición. Sé que una artista y su trabajo es realmente especial cuando quiero escribir un libro sobre ello.
“TRI_GALAXIAN L4116” en particular es excepcionalmente exquisito. Tiene un equilibrio, un ritmo y todo un flujo que pide ser traducido a la narrativa, a la danza, a cualquier otra forma, para que pueda tomar vida propia.
A nivel superficial te hace preguntarte, intriga al espectador, y abre posibilidades en cuanto a qué es lo que estás presenciando, mientras lo disfrutas. Y creo que es esa mezcla de maravilla y placer lo que realmente me atrajo a su obra.
Veo “TRI_GALAXIAN L4116” como la Diversidad intangible y etérea tomando forma corpórea.
La Diversidad es un tema cultural muy debatido. Hablemos del lugar de trabajo o demográficamente. Pero se refiere a mucho más que eso. Y quería una obra de arte que llevara la conversación más allá de las limitaciones actuales del discurso de “Diversidad”.

¿Qué obra de arte es su favorita y representa mejor la idea de la exposición?
Tengo un enfoque muy racional sistémico tanto a la ética como a la estética. Por eso, me niego a restringirme a menos que sea absolutamente necesario. Así que no he pensado en “un favorito”. Pero si me viese forzado a seleccionar uno, tendría que considerarlo desde diferentes puntos de vista:

– Concepto: “Juego” de Mery. Tiene el poder subversivo de la tecnología escondida bajo una pintura aparentemente tradicional.
– Artista: Claudio Zirotti. Realmente me gusta cómo ha ido, durante décadas, explorando continuamente nuevos lugares artísticos, negándose a limitarse a un solo medio, estilo o mensaje.
– Estética: “TRI_GALAXIAN L4116” de Patricija Gilyte. Es absolutamente fascinante y grácil. Es el tipo de trabajo del que te enamoras.
– Historia: “Emperador de la Jungla” por Osamu Tezuka. La historia detrás de la controversia (el plagio de Disney en “El Rey León”) es una fascinante historia de inspiración, traición, agresión. Eventualmente la Historia pone a todos en su lugar.
– Playfulness: “[Fake] Banksy” de Dave Cicirelly. Es un juego recursivo sobre el juego de Banksy.

DHVF, participando en una performance colectiva de arte, y reuniones en el Parque Científico de Oxford

Las últimas dos semanas de octubre estuve en Valencia asistiendo al Digital Health Venture Forum, donde me dieron el Premio a la Mejor Presentación.

Tras pasar unos días con mi familia y mi equipo en España, y participar en una performance en instalación de arte del colectivo SuperFlex el día 25, regresé a Londres.

El 27 de octubre fui al precioso Parque Científico de Oxford por un par de reuniones.